Jurassic Park — Wikipédia

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It is by this means that the researcher in art Van Long, thinks build bridges in society between all persons including the visually-impaired art lovers who may have a reason to go to a museum too. Betty de RUS effleure par de grands espaces colorés la mouvance tachiste sans y succomber, s'en démarquant par l'animation qu'elle produit à sa manière,dans son style. La tendance de l'usage de l'écriture dans l'art contemporain ne semble pas en évolution croissante, actuellement dans l'art contemporain, ceci paraissant tenir au fait qu'elle est le plus souvent utilisée stricto-sensu à son titre premier d'écriture.

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Une peinture en paradoxe, en distorsion d'équilibres recherchés, afin de créer une vie esthétique nouvelle dans la scène, pour trouver une autre proximité entre le spectateur et la toile. Gérard Suissia maîtrise parfaitement les conditions picturales et linguistiques de cette nouvelle esthétique. On y voit une variété de tonalités que ce sujet permet, une animation, tout en restant dans la dimension de l'interprétation abstraite. Le peintre Alain CADENEL, a mis au service de l'art contemporain et plus particulièrement de l'art abstrait, une formulation technique, notamment à partir de résines et de pigments, dont il a le secret. Prix internationaux des arts - Chine - Pékin Un bel exercice de recherche esthétique chez Betty de RUS, qui a poinçonné désormais l'art abstrait en tant que tel d'un sujet de référence du paysagisme abstrait:

L'équipe responsable des effets sonores, supervisée par George Lucas [ 28 ] , termina son travail fin avril. Jurassic Park fut totalement terminé le 28 mai [ 29 ]. Allmusic [ 30 ]. Comme pour quasiment tous les films de Steven Spielberg , c'est John Williams qui compose la bande originale de Jurassic Park. Il commence à travailler la musique du film fin février, et elle est enregistrée un mois plus tard par les chefs d'orchestre John Neufeld et Alexander Courage [ 29 ].

Le film est aussi sorti dans un pack regroupant également Le Monde perdu: Jurassic Park [ 34 ]. Le DVD a ensuite été ressorti avec ses deux suites le 11 décembre [ 35 ] et sous le nom de Jurassic Park Adventure Pack le 29 novembre [ 36 ]. Le film est ressorti en 3D aux États-Unis le 19 juillet [ 37 ]. Pour son vingt-cinquième anniversaire en , Film Review déclare le film comme l'un des cinq plus importants films depuis l'existence du magazine [ 42 ].

Plus significativement, lorsque plusieurs cinéastes ayant vu Jurassic Park utilisèrent les images de synthèse , ils réalisèrent que le fruit de leur imagination, auparavant irreproductible car trop cher, était maintenant possible.

Stanley Kubrick contacta Spielberg pour diriger A. Intelligence artificielle [ 40 ] , George Lucas commença à réaliser les préquelles de Star Wars [ 44 ] , et Peter Jackson commença à se réintéresser à son amour d'enfance pour les films de fantasy qui devait le mener ensuite sur les projets du Seigneur des anneaux et King Kong [ 45 ]. Jurassic Park a inspiré des films et des documentaires comme Dinosaur from the Deep , Godzilla , Carnosaur et Sur la terre des dinosaures [ 40 ] , ainsi que de nombreuses parodies [ 46 ].

Then the stories surrounding how horrifically real the dinosaurs were fueled its popularity even more. And the best part is that they look better in this movie than any more recent CGI creations. Universal a investi 65 millions de dollars dans la campagne marketing de Jurassic Park , passant des accords avec une centaine de compagnies pour lancer environ mille produits [ 49 ].

Ceux-ci incluent trois jeux vidéo Jurassic Park développés par Sega et Ocean Software [ 50 ] , une ligne de jouets Kenner distribué par Hasbro [ 51 ] , et une novélisation visant le jeune public [ 52 ].

La bande originale du film est sortie en album accompagnée de morceaux non utilisés [ 53 ]. Après la sortie du film, une tournée promotionnelle démarre [ 58 ]. Les critiques sur le film restent modestes: Sur le site d' Allociné , le film obtient des critiques positives. Le film est pourtant devenu le plus gros succès financier jamais réalisé jusque là, devant E. Les recettes du film s'élèvent à 47 millions de dollars le premier week-end [ 60 ] et montent à 81,7 millions de dollars pour la première semaine [ 61 ].

Le film a également très bien marché à l'étranger, dépassant les meilleures entrées au Royaume-Uni , Japon , Corée du Sud , Mexique et Taïwan [ 63 ]. Spielberg a gagné plus de millions de dollars grâce au film [ 64 ]. Steve Englehart écrit une série de comics publiée chez Topps Comics qui servent de continuation au film: Return to Jurassic Park devait encore se poursuivre sur quatre volumes avant d'être annulé.

The Ride entre en développement en novembre [ 73 ] et son premier exemplaire ouvre à Universal Studios Hollywood le 15 juin [ 74 ] pour un coût de millions de dollars [ 73 ].

Selon le scénario de l'attraction, John Hammond aurait été contacté pour reconstruire le parc à l'endroit du parc à thèmes [ 74 ]. Universal's Islands of Adventure à Orlando possède une section entière dédiée à Jurassic Park, laquelle inclut la principale attraction, ici baptisée Jurassic Park River Adventure , qui ouvre en mars ainsi que plusieurs attractions plus modestes basées sur l'univers de la série [ 75 ].

Haut de 85 pieds , le plongeon de l'attraction d'Orlando était le plus haut jamais construit à l'ouverture de Jurassic Park River Adventure [ 76 ]. Le 31 mars ouvre Universal Studios Japan qui propose également une section Jurassic Park composée de commerces et une attraction, Jurassic Park: Ouvert le 18 mars , Universal Studios Singapore contient la section The Lost World dédiée à la franchise hormis une exception, le spectacle Waterworld: A Live Sea War Spectacular.

Deux parcs vont également ouvrir des attractions Jurassic park: Inspiré du roman homonyme de Michael Crichton , le film a connu plusieurs suites. La première, Le Monde perdu: Jurassic Park , sort en Réalisée aussi par Steven Spielberg , elle est l'adaptation d'un autre roman de Crichton, le Monde perdu. Le troisième volet de la série, Jurassic Park 3 , a été réalisé en par Joe Johnston.

Ce qui est annoncé comme le dernier film de la série s'inspire parfois librement d'évènements présents dans les romans de Crichton et non utilisés dans les films précédents. En , Joe Johnston affirme dans une interview à Box-Office Magazine être prêt à reprendre le projet, et que Jurassic Park 4 serait le début d'une nouvelle trilogie [ 77 ].

Début , le studio Universal Pictures , qui a produit le cycle, annonce le quatrième film pour le 11 juin [ 78 ]. Il devrait être réalisé par Colin Trevorrow [ 79 ]. Toutefois, en mai , Universal annonce que le projet Jurassic Park 4 allait être retardé et qu'il ne sortirait qu'en [ 80 ]. En octobre sont annoncés les premiers noms du casting de Jurassic World: C'est l'acteur Chris Pratt qui tiendra le rôle principal [ 84 ]. La réalisation est confiée à Colin Trevorrow.

Le film a gagné les trois Oscars du cinéma pour lesquels il était nommé: Oscar des meilleurs effets visuels , Oscar du meilleur son , Oscar du meilleur mixage de son.

Il remporta le prix Hugo de la meilleure Dramatic Presentation [ 85 ] et le Saturn Award du meilleur film de science-fiction, du meilleur réalisateur, du meilleur scénariste pour Crichton et Koepp, et des meilleurs effets spéciaux [ 86 ].

Le film de Steven Spielberg reprend l'idée de base du roman créer des dinosaures sur une île, inviter des experts, imaginer un événement imprévisible libérant les créatures , tout en apportant des modifications significatives aux personnages et au détail des péripéties.

Malgré le titre du film, la plupart des dinosaures visibles à l'écran n'existaient pas avant le Crétacé [ 91 ]. Seuls le Dilophosaurus et le Brachiosaurus ont vécu au Jurassique. Le dinosaure est dépeint avec une vision basée sur le mouvement de son environnement ce qui n'est pas prouvé par les scientifiques. Le cri du Tyrannosaure a été produit en mélangeant les cris de différents animaux: Son souffle est celui d'un évent de baleine [ 29 ]. Un chien rognant une balle a été utilisé pour le son du déchiquètement d'un Gallimimus [ 9 ].

À l'époque celui-ci était appelé Velociraptor antirrhopus par certains scientifiques [ 93 ]. Il s'est même avéré que les raptors du film avaient une taille plus grande que celle du Deinonychus.

Lorsque l' Utahraptor , un Dromaeosaure de taille similaire aux raptors du film, fut découvert à l'époque du tournage, Stan Winston commenta: Pour l'attaque de Robert Muldoon, les raptors ont été joués par des hommes en costume [ 25 ]. Le cri du dauphin , le beuglement du morse , le cri de rut d'une grue africaine, et des grincements humains furent mixés pour obtenir différents sons de raptors [ 9 ] , [ 29 ].

Finalement, à la suite des découvertes faites après la sortie du film, la plupart des paléontologues ont conclu que les dromaeosauridés , comme le Vélociraptor et le Deinonychus , avaient des plumes [ 94 ]. Au contraire, on a représenté le Dilophosaurus plus petit que le géant du jurassique pour être sûr que le public ne le confonde pas avec les raptors [ 95 ].

Il y possède également une crête de lézard australien et la capacité de cracher un venin mortel il n'y a aucune preuve que l'animal original ait été capable de ce fait. Ses cris ont été fabriqués en combinant ceux d'un cygne , d'un faucon, d'un singe hurleur et d'un crotale [ 9 ]. Le Brachiosaurus est inexactement dépeint comme mâchant sa nourriture. Bien qu'il soit reconnu comme évident pour les scientifiques qu'ils avaient des capacités vocales limitées, le sound designer Gary Rydstrom décida de représenter leurs cris en mélangeant un chant de baleine avec des cris de singes [ 29 ].

L'apparition du Triceratops posa un problème logistique particulier à Stan Winston lorsque Spielberg demanda à tourner l'animatronic de la créature blessée plus tôt que prévu [ 96 ].

Winston a aussi créé un bébé Tricératops pour qu' Ariana Richards le monte, mais il fut supprimé du film pour des raisons de rythme [ 97 ]. Les Gallimimus et Parasaurolophus ne font que des apparitions furtives, le deuxième apparaît lors de la première rencontre avec les Brachiosaurus. Même si ces espèces ne sont pas visibles dans le film, la liste officielle des animaux présents sur l'île dans le roman original comprend également le Baryonyx , le Ceratosaurus , le Compsognathus , le Herrerasaurus , le Ptéranodon , le Stegosaurus , le Metriacanthosaurus , le Segisaurus , l' Hypsilophodon , le Mosasauridae et le Carnotaurus.

Ayant trouvé la conversion en 3D de Titanic extraordinaire, Spielberg s'est demandé si Stereo D , la société ayant été chargée de celle-ci, pouvait refaire la même chose avec Jurassic Park. Le réalisateur déclare avoir, de façon inconsciente, toujours imaginé le tournage de ce film en 3D.

Bien qu'il ne l'ait pas envisagé à l'époque, la 3D n'étant pas suffisamment aboutie. C'est pourquoi selon lui, le film a un bon potentiel pour cette technologie. Gary Rydstrom , le mixeur et concepteur sonore, a également profité de l'occasion pour rendre la piste audio plus immersive.

Le 5 avril , soit presque 20 ans après son lancement d'origine, le film est ressorti en version 3D [ ]. Le tout a été supervisé par Spielberg lui-même. Par la même occasion, cette édition 3D fut produite à partir d'un nouveau master 4K [ ] , [ ]. Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Cet article concerne le film de Steven Spielberg. Pour la série de films, voir Jurassic Park série de films.

Pour les autres significations, voir Jurassic Park homonymie. Jurassic Park Original motion picture soundtrack. Liste des titres N o Titre Durée 1. Theme from Jurassic Park 3: Incident at Isla Nublar 5: Journey to the Island 8: The Raptor Attack 2: Hatching Baby Raptor 3: Welcome to Jurassic Park 7: My Friend, the Brachiosaurus 4: Dennis Steals the Embryo 4: A Tree for My Bed 2: Remembering Petticoat Lane 2: Jurassic Park Gate 2: Eye to Eye 6: T-Rex Rescue and Finale 7: Journey to the Island Dennis Steals the Embryo 5: The History Lesson 2: The Coming Storm 3: Jurassic Park River Adventure.

Il a créé plusieurs concepts numériques et fait partie des artistes de référence de l'art numérique contemporain d'aujourd'hui. Ceci du fait de la conjugaison effectuée entre l'artistique et le technologique que l'artiste a su maîtriser dans cette exceptionnelle réalisation. L'artiste est parvenu à imaginer une configuration en spirale, avec un point de départ initial, quasiment immatériel, pour exprimer, interpréter avec sa sensibilité et ses moyens numériques, l'origine du cosmos.

Un intérêt esthétique de premier ordre, pour cette expression sur toile, véritable modèle de finesse et de délicatesse extrême, dans les tracés spiralés, mais également au-delà, avec ce message que nous donne le titre, on comprend comment l'art numérique loin d'être impersonnel ou essentiellement technologique, au contraire, peut transmettre des sensations profondes ou exprimer des questionnements métaphysiques.

A nuveau une vision en plusieurs dimensions, dans une finesse qui effleure la vue elle-même, une véritable désacralisation du diaphane, pour dire l'avant-gardisme de notre 21ème siècle. Il a fait la synthèse de la recherche fondamentale, expérimentale et appliquée, la symbiose entre art,sciences et technologies de pointe.

GELI Isabelle, peintre, surréalisme abstrait littoral et portuaire. Ceci dans un contexte de créativité persistante ou de maîtrise de techniques. A partir de la pré-sélection d'un groupe d'artistes en France, issu d'un panel aléatoire de cinq cents artistes français répartis sur l'ensemble du territoire, le groupe retenu représentant différents styles et mouvances contemporaines, de l'impressionnisme, à l'expressionnisme en passant par le surréalisme et l'abstrait.

Représentativité et pluralité esthétiques avec l'objectif de mettre en relief le talent créatif mais aussi en vue de l'étude et analyse réalisée chaque année par les Editions pour mettre en relief les styles et tendances dans l'art au travers des artistes sélectionnés.

C'est ainsi à partir des artistes sélectionnés nationaux qu'un ensemble d'une cinquantaine d'oeuvres au final aura été retenue et présentée, au travers des lauréats issus de la sélection nationale à savoir: Différents styles retenus pour leurs particularités Abstraction et recherches matiéristes, création sur supports de résines, nouvelles compositions numériquse du visuel, travaux sur le traitement de la lumière dans l'oeuvre, expressionnisme du mouvement, surréalisme abstrait littoral et portuaire, avances des techniques aux médiums aquarelles et pastels Une sélection afin de donner différents aspects d'un "panorama" créatif sur cette année , pouvant participer avec d'autres études à une vision plus complète de la création contemporaine, permettant de dégager par les Editions EDMC utilement comme elle le font depuis près d'une quinzaine d'années maintenant, des tendances esthétiques intéressant l'évolution de l'art contemporain dans la société.

Textes du Palmarès actuellement en cours à la Rédaction: Le Comité du Jury Comme l'an passé mais aussi comme depuis 14 ans maintenant un tour d'horizon de la création contemporaine sera fait, au travers des différents sites, supports, salons et évènements artistiques de l'année écoulée. Afin de dégager les nouvelles tendances esthétiques, un panel d'artistes représentatifs de ces tendances est pré-sélectionné.

Les artistes ne pouvant se déplacer ont eu la possibilité de se faire représenter dans cette rencontre. Panorama Actualités des Arts et des Styles durant l'Année reportage texte image en cours. Un reportage texte et image permettra ainsi de relever des aspects rémanents ou innovants de la création contemporaine, d'artistes qui créent au quotidien.

Les Editions EDMC ont créé ce "Palmarès national des Styles artistiques" qui exprime la mise en évidence de c ette synthèse de styles, avec des artistes dans diverses régions de France, qui revèle différentes facettes actuelles de l'évolution de l'art, cela en temps réel.

Cliquer sur l'image ci-dessus pour voir l'émission C. La représentativité de l'échantillon d'étude et d'analyse a été exposé au public à partir de la pertinence d'une trentaine d'oeuvres incluant la statuaire contemporaine représentée par Iga Gielniewski , cela au travers d'une quinzaine d'artistes confirmés en exposition; Lesquels artistes soit ayant été primés en France tels Alain Sirabella, Émile Van Long, Jo Mermet, soit primés et reconnus ayant exposé sur l'international, tels Régine Bazin, Betty de Rus, la peintre Achalezay,Iga Gielniewski, Annie d'Herpin, Cyre de Toggenburg, Toshio Asaki, Gérard Suissia, Christiane Broussard, Isabelle Géli, Alain Délic, Georges Castille.

Différents styles ont été retenus afin de donner différents aspects d'un "panorama" créatif sur cette année pouvant participer avec d'autres études à une vision plus complète de la création contemporaine, toutefois permettant de dégager utilement certaines tendances sur l'année Exposition d'une sélection d'artistes de toutes régions de France remarqués durant l'année lors de sélections nationales organisées par les Editions EDMC pour des expositions ou des évènementiels artistiques sur la Côte-d'Azur voir en page "Vie des arts".

Exposition de quelques uns de ces artistes, à partir du 7 Décembre, au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur avec un texte de synthèse sur les aspects de ces différents styles exposés sur place en Décembre. Un reportage texte et image permettra ainsi une mise en relief d'aspects de la création contemporaine par les Editions EDMC.

Cette synthèse de styles d'artistes créant dans diverses régions de France revèlera différentes facettes actuelles de l'évolution de l'art, cela en temps réel. La peintre Cyre de Toggenburg récompensée pour sa recherche fondamentale sur l'abstraction.

Cyre de Toggenburg a obtenu le Trophée Art et Styles , Artiste d'Honneur de l'Année pour sa recherche fondamentale sur la peinture abstraite. Sa démarche intemporelle, reste au delà des modes et sa grammaire est indifférente au temps qui passe. Cet "avant-gardisme perpétuel" vient s'inscrire dans l'expression aboutie d'une spiritualité dans l'art que Kandinsky avait déja rencontrée et signalée comme essentielle dans l'abstraction.

En son talent à été tout particulièrement mis en relief par les Editions des musées et de la culture, EDMC, qui ont voulu l'honorer du Trophée d'Artiste de l'Année. A travers cette peintre et ses recherches sur la "peinture spirituelle" c'est en fait l'art abstrait dans son ensemble, dans ses expressions supérieures, qui est une nouvelle fois reconnu ici.

Ici la peintre Achalezay, lors de la cérémonie de remise du Diplôme d'Authentification du Trophée Lors de sa cérémonie protocolaire Achalezay ici, au côté d'Alain Délic, artiste international appelé le "peintre des étoiles" en Chine. Achalezay, une artiste qui incarne la rencontre sur la toile du talent et de l'imaginaire, son style entre le réel et l'irréel peint un surréalisme contemporain. Les styles et les tendances évoluent cette année, autour d'un accroissement toujours en progression de l'engouement aux pratiques des arts.

On note un renforcement de l'activité d'exposition sur le national avec des salons et des foires artistiques toujours en plus grand nombre et le phénomène de communication numérique en plein développement participe à médiatiser fortement ces manifestations. Sur l'Europe et en particulier sur l'international extra-communautaire les démarches des artistes restent plus frileuses à l'export.

L'organisation d'expositions sur l'international nécessitant beaucoup de préparation et donc plus de temps. Globalement on relève une intensification de la pratique artistique en termes quantitatifs, dans le pictural ou la sculpture, dans les diverses disciplines des Beaux-Arts, tel que cela apparaît clairement sur internet, les nouveaux médias ou les réseaux sociaux.

De plus en plus de sites d'artistes sont présents sur le web avec l'évolution ces dernières années vers l'auto-administration des sites d'art et les sites web pré-construits facilitant la mise en compétition esthétique des artistes. On note une prolifération du nombre d'artistes dans tous les domaines des arts.

Des créateurs de tous niveaux, prenant souvent appui sur les mises en valeur de leur travail par le technologique, le numérique. C'est un bien pour la pratique de l'art en général, cela reste plus ambigu pour les collectionneurs, les galeristes ou le marché de l'art qui a tendance à une certaine retenue, voir à se refermer de plus en plus sur lui-même en face de la multiplication actuelle d'oeuvres-d'art contemporaines et dont ils n'ont pas suffisamment de références d'évaluation malgré les efforts faits par les experts.

N'oublions pas non plus les écoles d'art publiques et privées qui ont toujours besoin d'actualiser leurs ressources documentaires pour former la jeunesse aux arts.

Les Editions EDMC s'efforcent d'accomplir en France, et sur l'International, un certain nombre de manifestations pour la mise en émergence de nouveaux talents ou de talents plus confirmés susceptibles de véhiculer une certaine modernité, un avant-gardisme, de proposer des démarches novatrices et bien fondées, voire pour certains artistes, au travers de leurs styles et thématiques de maintenir la survivance d'un patrimoine artistique figuration académique, impressionnisme, surréalisme, paysagisme abstrait Or Régine Bazin témoigne d'une approche qui se situe au-delà des clivages figuration -abstraction.

Une tendance qui se répand pour nombre d'artistes à ne pas être cantonnés dans une expression figurative ou abstraite, mais qui considèrent qu'ils doivent rester libre de leurs intentions créatives. En abstraction la volonté non figurative partage ce territoire interprétatif avec les expression abstraites du paysage. La peintre Christiane Broussard, dans son abstraction paysagiste, aimera rester quant à elle en lien aussi avec la Nature, dans ses paysages abstraits 23 , 24 , allant dans des ressentis entre impressionnisme abstrait et abstraction, relevant certaines caractéristiques graphiques du paysage notamment portuaire ou de marines, pour créer des sensations référentes, en proposant du sens, à partir d'indices extrapolés du réel.

Elle développe en une peinture avec un style d'une abstraction personnelle, accessible et ouvert sur le grand public. On remarque en tendance une figuration libérée des contraintes de la fidélité à la nature se déployer années après années avec constance. Ceci ne gêne pas les mouvances figurative en adéquation avec le paysage, les marines d'artistes qui ont fait le choix de rester au plus près de la Nature comme en témoigne la figuration académique de la peintre aquarelliste Annie d' Herpin et ses peintures de vagues 13 , Ici l'interprétation de la Nature s'exprime par le ressenti devant le réel et l'artiste s'attache à rendre l'atmosphère au plus proche du visible.

Vérité du paysage, mais de plus la technicité vient prendre le relais pour dire l'émotion, en termes de représentation en identité du réel. Vagues impétueuses, crêtes de lames qui se brisent sur les récifs A la différence d'Annie d'Herpin, le peintre Toshio Asaki, travaille plus sur les accentuations visuelles du paysages avec une grammaire impressionniste, qui fait un filtrage du motif par la sensibilité intérieure qui le restituera amplifié, exaltant la poésie intrinsèque.

Une approche pour donner un sens aux caractéristiques essentielles des couleurs sous la lumière, dans ce sentier qui courre, 17 , ou pour construire avec nuance ou contrastes l'image-idée de ce Jardin Japonais Ici Toshio Asaki, sublime ses préférences émotives, pour nous faire partager l'essentiel immanent, que seuls ses yeux d'artiste peuvent voir et ensuite il peut nous montrer cela grâce aux outils de langage de l'artiste que sont ses pinceaux.

La peinture abstraite de Cyre de Toggenburg, 15 , 16 reste une abstraction du sensible, elle dépasse les codes de l'expression par le signe pour aller vers des sensations ressenties à la fois par la peintre et produite par sa peinture, dans une homothétie dynamique qui crée son univers.

Qu'est ce que l'art? Cela depuis la nuit des temps Cette peintre et chercheuse en art, par ses toiles contemporaines apporte à qui veut bien, ou sait bien, les comprendre des réponses objectives et authentiques. Un progrès que nous avons pu identifier en Gérard Suissia maintient et continue de développer l'écriture en osmose dans la peinture, 21 , 22 son interprétation de l'écrit au titre de l'abstraction en nouveau style de paysagisme abstrait.

Sa persévérance dans ce style le met actuellement en première ligne du mouvement de l'Art Significatif international. Il a su par sa peinture donner lieu à un débat constructif et éducatif sur l'art contemporain en Chine. Son style est connu dans de grandes universités d'art du Nord Hebei, Tianjin et dans la capitale chinoise Pékin. De grands professeurs d'art chinois se sont penchés sur son style, on peut en conclure en qu'il y a bien dans cette peinture un progrès de l'esthétique.

Gérard Suissia à fait et fait progresser l'Art contemporain. Un type de peinture intelligente, interactive, plasticienne qui séduit le spectateur , le public réserve toujours le meilleur accueil à cette expression artistique. La démarche de la peintre Achalezay, 5 , 6 porte une synthèse qui apparaît avec ses toiles "Nu de Coquelicot" 5 et "Comètes" 6.

La toile "Nu de Coquelicot", présente le mariage du floral et d'une représentation figurative d'un corps dénudé, quand un pétale devient l'anthropomorphisme d'un élégant corps féminin. La nature reste ce lieu de prédilection pour les projections suggestives et sensibles de formes.

L'artiste Achalezay, a su faire surgir avec une infinie délicatesse cette "apparition" d'un corps dans un pétale, voir un pétale en forme de corps Avec "Comètes" l'artiste propose une originalité de symbiose stylistique. Dans cette toile "Comètes" la peintre nous entraîne entre un impressionnisme fantastique et une figuration teintée de surréalisme également.

Les inclusions en relief, de brillants, représentant les comètes, donnent une connotation plasticienne réelle et irréelle à la fois. Talent et imagination sur la toile révèlent la peintre Achalezay en cette année comme une artiste marquante dans l'innovation créative picturale contemporaine.

Une palette céramique colorée que des ré hauts aurifères agrémentent de lumière, venant servir également une symbolique mystérieuse, entre signes, allégories de l'Egypte ancienne et actualisées de représentations pouvant provenir des profondeurs de l'inconscient.

Dégagée de toutes influences de Niki de Saint Phalle, la peintre et sculptrice Iga Gielniewski, prône néanmoins et exprime l'importance du rôle de la femme, à chaque étape de la vie féminine, le rôle de la femme dans la société. Jo Mermet réussit à faire se côtoyer le géométrique et le lyrique, le carré et la ligne dans une synergie expressive.

Le peintre Van Long 9 , 10 marque cette année par la qualité de son travail. Son oeuvre reste principalement pour tous les publics, et permettra dans le futur que ses oeuvres puissent être touchées par le public dans les musées.

C'est une grande innovation et un paradoxe esthétique à un moment où les oeuvres d'art sont fréquemment très protégées par des vitres, du contact avec le public dans les musées. Le peintre Van Long est le créateur d'une nouvelle formes d'oeuvres d'art pour les musées.

Il s'agit d'oeuvres palpables avec les mains par toutes les catégories de public, tous les spectateurs. Une façon aussi de resserrer les liens entre tous les individus dans la société. Une nouvelle façon de découvrir l'art avec une démarche sociale globale pour tout public. A noter qu'Emile Van Long dans sa démarche de chercheur à voulu apprendre aussi le langage en braille, afin de compléter quelques-uns de ses tableaux tactiles, par des écritures lisibles sous les doigts, et les décrivant, et ainsi mieux ressentir, mieux comprendre le monde des malvoyants.

The painter Van Long 9 , 10 marks this year by the quality of his work. Painter, creator of the so-called "cloisonné" painting, he turned with this painting in cloisonne, painting of the touch, of tactile works, towards a step to help the visually impaired. Indeed it is possible to follow the smallest details of his works by touching the painting, caressing the canvas one follows the lines in relief of the subject that is painted.

This work remains for all audiences, and will allow in the future that his works can be touched by the public in museums. It is by a great inovation at a time when the works are very protected from the contact with the public in the museums. The painter Van Long is the creator of a new form of works-of-art for museums. Palpable works with hands and so, by all categories of audience, all spectators. It is by this means that the researcher in art Van Long, thinks build bridges in society between all persons including the visually-impaired art lovers who may have a reason to go to a museum too.

From then in museums this painting will be not only for the vision but also for touching, feeling by hands by everybody, in fact a new painting for all people, Van Long fund of a new "Tactile Art" and wants to show that there can be a "Tactile Art" that can be universal for all individuals in the same society.

A new way of art, including the visually-impaired in a social global logic for the discovery of art. Van Long wants to opening also a new way strengthening the links between all individuals in society and give by his work a new sense at the universality of painting. It should be noted that Emile Van Long, in his researcher's approach, also wanted to learn braille language, in order to complete some of his tactile paintings, using handwriting and describing them, thus better feeling, better understand the world of the visually-impaired.

A thorough and complete approach, a research which today gives rise to high-level works. Le maître Georges Castille, 29 , 30 , peintre, sculpteur, plasticien, a su maîtriser plusieurs techniques, dessins, peinture, sculpture, bois, couleurs, luminosités, vernis, pour aller sur des sujets qui sont en formulation 3D, en relief, avec des ajouts d'éléments, des inclusions de tissus ou textures, en rapport avec le sujet.

Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Palmarès Trophées des Arts et Styles Pour les artistes sélectionnés. Un Jury de personnalités des Arts attribuera les Trophées "Arts et Styles ", du figuratif à l'abstrait, ceci à la fin de l'année, marquant et mettant en relief pour chaque artiste retenu sa spécialité stylistique et sa spécificité.

Expositions d'artistes de haut niveau dans tous les styles du figuratif à l'abstrait, conférences sur les styles, organisations de visites de la galerie d'art pour groupes ou à partir de cinq personnes, s'informer auprès du secrétariat: Access boulevard de Strasbourg -Toulon Centre - Parking meters Liberty 30 cars - high level Artists Exposure for all public, in all styles from figurative to abstract, conferences styles, organizations visiting gallery for groups from five persons.

Rencontres artistiques annuelles pour la mise en relief de la création contemporaine et des stylistiques innovantes. Peintre européen d'honneur à Pékin Après une carrière en Australie et en Europe, ce peintre international se positionne actuellement dans le contexte artistique chinois. Il s'agit d'une marque d'honneur suprême qui a pour objectif de consacrer une carrière internationale de haut niveau pour le peintre, mais aussi de témoigner un signal artistique lorsqu'il y a l'évaluation d'une émergence de tendance dans les arts, suffisamment explicite.

Il a creusé une trace profonde, tel un sillon nouveau: Tendances artistiques internationales Alain Delic, pose la problématique de la représentation de l'infini cosmique et reflète la mouvance de courants picturaux qui donnent un nouveau sens à l'abstraction au XXI ème siècle.

En complément des photos qui peuvent être prises par les satellites ou par les sondes spatiales, par les télescopes électroniques de notre siècle, une certaine abstraction prolonge au-delà, cette quête de l'image ultime de l'infini par l'impulsion créative. La science, montre les représentations de l'infini accessibles par des photographies du réel, et aborde ainsi une iconographie nouvelle. Sujets narratifs évanescents, formes fugaces des nébuleuses voilées de couleurs diaphanes Par le concept du pictural, avec des supports et des couleurs, avec Alain Delic, la peinture abstraite contemporaine reprends la main, et recentre sur son territoire de l'abstrait, intuitif, imaginaire, ou interprétatif, tout ce que la science pourrait arracher à l'abstraction par la photographie astronomique.

Alain Delic, incarne cette tendance qui renvoie l'imagerie astrale photographique dans ses propres critères hyperréalistes. Le peintre Alain Delic recentre le discours pictural abstrait métaphysique, il repositionne le rôle démonstratif majeur qui appartient au peintre abstrait face à l'infini invisible et à ses représentations.

Ceci au moyen des sensations humaines et de l'interprétation évocatoire des possibles. Régine BAZIN s'efforce de réconcilier pigments et pixels, lumière en clairs-obscurs et rétro-luminosité intense, créant ses peintures numériques au travers des cristaux liquides, au coeur des écrans.

La capacité créative de l'artiste dans ce domaine est très importante. Régine Bazin défend avec talent une nouvelle dimension pour l'art numérique.

Régine Bazin porte aux premiers rangs dans l'art non seulement, dans le numérique mais dans l'art contemporain en général, la nouvelle notion de l'image numérique oeuvre-d'art visuelle à part entière. L'artiste rend encore plus évidente au plan international, la prise en considération de composantes techniques qui ont vocation a être indissociables de la création et sont devenues outils de création. Régine Bazin avec la mouvance créative de sa peinture numérique "Optosuggestive" ou "Optosuggestive" Digital Painting qu'elle impulse, fait entrer plus globalement l'art contemporain en général dans de nouveaux horizons.

Ceux qui se dessinent autour de la prise de conscience quant à la portée esthétique de l'art numérique dans nos sociétés. Régine Bazin artiste peintre numérique française se situe ainsi aujourd'hui, aux toutes premières places de la création numérique contemporaine internationale. Son style et sa peinture ont été présentés à plusieurs reprises dans la capitale ainsi que dans des conférences artistiques.

Un style nouveau et différent sur l'international. Son travail est une réflexion qui fait avancer l'art en général, mais également d'un point de vue esthétique, car l'artiste donne un autre sens au mot peindre, lorsque l'on parle d'abstraction.

Ceci en utilisant l'écriture dans un autre système sémantique et sémiotique, celui de l'art abstrait contemporain et de l'esthétique. Lorsqu'il utilise l'écriture cet artiste crée avec les mots et les noms de rues une autre forme d'abstraction du paysage urbain, citadin. L'écriture dans la peinture reprend un autre statut. Gérard Suissia a toujours considéré l'abstraction comme une manière d'interpréter le réel, le visuel direct.

Lorsqu'il utilise l'écriture et qu'il pose des noms de rues sur ses toiles, il ressent profondément le sentiment d'être toujours dans cette démarche abstraction, pour reporter sur la toile la sensation paysagiste. Une abstraction nouvelle, différente, l'expression du paysage est capturée par le sens et le signe, pour la mettre en forme picturale avec un nouvelle logique d'art abstrait.

Un style fort, qui exprime une grande modernité de vision, des graphismes aux signifiants abstraits et pourtant lisible et intelligibles pour un concept qui décloisonne la linguistique et l'esthétique en un véritable progrès de l'art contemporain.

C'est un tout abstrait coloré qui s'épanouit sur le tableau. Avec ses toiles Gérard Suissia renouvelle l'approche paysagiste dans l'abstraction. Gérard Suissia maîtrise parfaitement les conditions picturales et linguistiques de cette nouvelle esthétique. Il a su faire entrer l'écriture en tant que telle dans l'abstraction,dans la composition d'une nouvelle forme d'abstraction.

Une référence dans le cadre international, avec une nouvelle acception de l'écriture en nouvelle fonction d'abstraction dans la peinture contemporaine. Trophée international des arts de Chine Chacun dans le public, aussi bien français que chinois, a ressenti la maîtrise de cette peintre. L'artiste pratique l'art pictural avec délicatesse pour donner des effets raffinés, aboutissant à d'autres visions, à une autre faculté de faire voir les couleurs au regard du spectateur.

Un travail esthétique qui révèle une sensibilité, un geste de peindre inné, mais aussi beaucoup de travail pour arriver à de telles harmonies de couleurs. Un style ouvert à l'art contemporain, à la beauté, à la poésie, au-delà de toutes frontières de genres picturaux, de stylistiques ou de pays.

Celle-ci montre, dans un prolongement personnel, à la façon de Nadette Tournier, l'extraordinaire sensibilité qu'il faut pour peindre, mais également, comment dans la lignée des grands Maîtres de l'art, il est possible de traiter cette frontière entre le visible et la sensibilité ultime, entre réalité et intuition du vrai.

On peut le penser pour deux raisons: C'est bien sûr cette extraordinaire interprétation d'un paysage à la façon de Nadette Tournier, certes un hommage au grand Turner, mais l'artiste a su employer ses propres moyens avec un tel talent, ses propres techniques, sa grammaire. En fait cela à plu au Jury. Une esthétique-lien, guidée par le poétique. Le raffinement abouti de l'acte pictural y est extrême et tendu ver le Beau.

L'artiste sait ainsi faire entrer la poétique picturale, dans la composition. Elle sait comment un existant infime poétique, peut, dans le pictural, faire aboutir le tableau à l'ultime limite du sensible, voire du raffiné. Cette artiste a su poser, par le poétique, une passerelle entre les différents registres du figuratif jusqu'à l'abstrait. Nadette Tournier apporte dans l'art international une approche de progrès dans les expressions techniques des nuances et des constitutions esthétiques des paysages, par ses méthodes de peindre à l'huilerelle.

L' expression de l'artiste contribue à une évolution de synthèse, dans les conceptions générales de l'art contemporain. Elle réussit a réaliser une nouvelle façon de peindre. La peintre, tout en restant dans le respect des grands Maîtres qui ont su faire avancer l'art, par le passé, tel Turner, nous montre qu'il est possible de trouver un prolongement, dans sa propre voie aujourd'hui.

Elle représente ainsi en ce début de XXIe siècle, une vocation des artistes contemporains à tendre vers une plus grande universalité. LIU YI, est un peintre de la nouvelle génération artistique chinoise. LIU YI est attaché à la tradition et aux lieux de son enfance, qui ont construit sa personnalité, façonné sa vocation de peintre.

Pour lui en tant qu'artiste, il s'efforce de toujours rester en lien d'esprit avec sa région qu'il aime et refléter dans sa peinture les souvenirs, qui ont entouré sa jeunesse. Comme peintre contemporain, il a su marier la tradition ancestrale de la Chine Ancienne et une approche originale de l'art abstrait d'aujourd'hui.

Un geste à la spontaneité calligraphique, certes, mais emprunt de valeurs intrinsèques profondes. Du geste calligraphique, au geste des arts martiaux, en passant par la gestualité du bras armé d'épée ou de lance, l'intervention de YIU LI sur la toile intègre histoire et philosophie, sagesse et entendement. Cela est différent comme on le comprend d'une "Action painting" ou "Peinture gestuelle" Occidentale. Le geste pictural est chez LIU YI empli de sens, de spiritualité, de concentration intérieure, et porte dans le style de l'abstraction et en peinture, la marque d'une haute culture immémoriale.

Un artiste de grand talent, qui nous a permis lors du "Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN " de mieux comprendre la grandeur ancestale et la profondeur de l'esprit chinois dans l'art contemporain de notre siècle.

LIU YI, peintre, style abstrait. Chinese ancient art were related to the worship ceremony. I was attracted by the ancient art of painted pottery, bronze, jade and statues from Han Dynasty.

I used lines and reconstructed as a new composition on my works. I am from Xiangxi, Hunan. My understanding and knowledge of art was influenced by the mystery of Nuo culture.

They become my art language which can be revealed in my art works. My recent works were inspired by Chinese calligraphy. The form and component Chinese characters of different brush strokes and different presentation of dots, rightward stroke "Horizontal", downward stroke"Vertical", falling rightwards stroke "Press down", and falling leftwards with slight curve "Throw away".

I define them as Chinese ancient weapons because the early principle type of strokes was developed from the shape of hammer, sword, knife, halberd and axe. Strokes direction is just like the knife craving and sword using method. Calligraphy presented through characters, knowledge of Kong Fu through martial arts. Both of them are reflected the same path which cannot be separated in the form of superior spiritual values. Calligraphy gave me an inspiration.

The series of "Yi" is my personal understanding and expression of Chinese traditional culture. Artist's language and creation must be directly attached from his grow up environment, region, religion and culture. I have special feeling to my hometown, Xianxi especailly its stream. When I was small, elders told me about different mistery stories and legends about the stream. There are many strange creatures living in the stream.

Life endlessly happened in it. Those memories grow up with me, and they were my inspiration for my artworks. A Chinese Philosopher said, " Goodness should be peace like water. Chinese cultural spirit will just like water. Dominique DAUVERT nous a habitué à une abstraction impulsive et raisonnée à la fois, qui semble surgir du plus profond de lui-même et qui surprend toujours par la convergence qu'il sait donner aux formes, aux couleurs qu'il pose et aux sentiments qui l'animent.

C'est cette maestria de Dominique DAUVERT, qui dans son jeu d'applications à la spatule, dans ses coloris, nous conduit au-delà de sa peinture, au-delà de nous-mêmes. Cette atmosphère immatérielle aux allégories physiques de la Nature a séduit le Jury.

C'est dans son style, cette aisance du geste, cette assurance dans le sens donné à l'application peinte, aux touches, aux graphismes, aux à-plats et aux couleurs qui captivent l'attention. L'artiste a créé une technique et une logique qui nous transportent hors des limites du réel vers un absolu pictural.

Dominique Dauvert a su découvrir et révéler la voie médiane, maîtriser sa posture, entre le paysage abstrait et l'abstraction elle-même. Ce qui a produit ce questionnement autour du travail de Dominique Dauvert, sur cette nouvelle façon de voir et peindre le paysage abstrait, non point en partant de l'image objective du réel, mais en partant de son intuition interne pour aller vers le paysage, l'image d'un paysage extérieur allégorique et abstractisé issu des profondeurs de son âme.

Dominique Dauvert sait donner le vrai sens authentique à cette notion de paysage intérieur en corrélation avec la nature et une forme de paysagisme abstrait. Il a matérialisé cette notion, sa consistance, en lien avec l'intériorisation que le peintre peut en faire.

Paysage intérieur avec le choc de l'émotion, gradués à la spatule par des formulations interprétatives d'escaliers qui mènent à cet éclat orange. Un style fait de subtilité comme au travers de ces escaliers qui nous dirigent vers cette ailleurs intérieur en mode de paysage, vers une transcendance, au final vers l'épanouissement du Soi.

Avec cette vague battante, Dominique Dauvert, témoigne encore ici avec pertinence que la pluralité de sens de la peinture peut rejoindre la pluralité de sens de la nature. C'est ce choix de sujet évanescent que les plus grands artistes ont souvent voulu traiter en peinture, tel un défi, mais aussi de grands écrivains abordèrent le thème en littérature. Dominique Dauvert a voulu à son tour explorer ces sensations tel un chercheur dans les arcanes de la mémoire et des sensations oubliées, pour les reporter sur sa toile.

Tendances artistiques internationales Pékin L'ambiguïté de cette recherche de l'expression du paysage intérieur, en peinture, est désormais clairement levée grâce à Dominique Dauvert. En restant en lien avec la Nature, il a matérialisé, créé et produit le paysagisme abstrait qui vient de l'intérieur, expression picturale paysagiste du "deep inside".

Ses allégories créent entre sentiments intérieurs et expression paysagiste abstraite une véritable homothétie sur ses toiles, ceci en restant dans l'ordre de la Nature, de ses évocations de formes, de ses éléments. Médaille d'Or Internationale des arts de Chine L'accent étant mis sur la qualité du travail d'un artiste qui a atteint aujourd'hui le niveau d'un haut savoir-faire plasticien, mûri au fil de nombreuses années de pratique.

Georges Castille a su forger son style dans l'objectif d'un idéal a atteindre, celui du Beau dans l'oeuvre-d'art. Ceci au sens de la perfection ultime, quand matière et supports succombent aux visions de l'artiste. Dans la capitale chinoise la présentation du style de Georges Castille en , à illustré la beauté de l'idée esthétique quand elle devient art, transformée par le talent, certes, mais aussi par l'amour du geste artistique parfait, que le maître sait accomplir.

Georges Castille se situe dans la tradition des grandes pratiques plasticiennes, celles là mêmes qui de la Renaissance à nos jours jalonnent notre culture européenne. Les lignes épurées en expression du sujet resteront enjeu de l'art. Le relief de ces poissons exotiques semble nous entraîner dans une ronde festive, dans un mouvement aux nouveaux entrelacs, prétextes au jeu des formes et des couleurs.

Le jury international Pékin à apprécié la démarche du maître Georges Castille et la manière dont celle-ci s'inscrit sur l'international. Un style et une démarche maîtrisant plusieurs techniques artistiques qu'il a su faire se rejoindre, puis converger en oeuvre-d'art unique. Une tendance esthétique actuelle qui va vers la haute finition technique, voire technologique, des matériaux dédiés à la réalisation de l'oeuvre-d'art dans l'art contemporain.

Il incarne ce phénomène sociétal d'artistes contemporain, en quête d'une perfection perdue a appliquer aujourd'hui à l'oeuvre-d'art avec de nouveaux moyens. Ce grand rendez-vous des arts et des styles a permis, sur l'international, de comparer des styles européens comportant diverses approches abstraites, des expressions picturales variées, en regard avec d'autres créations contemporaines chinoises.

Qu'il s'agisse de "Genèse" acrylique sur toile 81xcm , de "Rythme ", acrylique sur toile x81cm , ou de la toile "Chemin Faisant" acrylique sur toile 97xcm , ce sont le mouvement, la gestualité, qui sont apparus comme parfaitement spontanés et contrôlés à la fois, laissant apparaître une grande maîtrise dans le style abstrait, laquelle a été très appréciée du Jury international.

La démarche artistique de MABRIS, par son ampleur d'approche et la richesse de son contenu, marque un temps fort dans l'évolution de l'abstraction internationale. On peut retrouver dans l'oeuvre de l'artiste une image de l'accélération de notre temps.

Aujourd'hui la société vit dans la rapidité, la vitesse, mais également dans une certaine précision, avec un stade d'avancement aussi bien dans la communication, que dans l'image et les savoirs. C'est en partie cela qui se dégage de manière allégorique de cette peinture à destination d'un public exigeant, mais aussi plus globalement offerte à la société de notre époque.

On peut reconnaître dans le style de MABRIS l'omniprésence de la trace générique, de la ligne issue du geste initial, du trait inné. Une grammaire picturale bien reconnaissable faite de lignes, de courbes douce, ou plus enlevées, avec des graphismes, accentués, ou allégés , des coloris qui pourront varier dans des nuances intenses ou évanescentes, une palette très bien réglée et constante.

Cette grammaire, MABRIS la confronte non seulement à la société d'aujourd'hui, mais aussi à l'environnement essentiel du monde de la nature, et intègre dans sa logique des courbes paysagistes, en mode archétype, universaliste. En lien avec la rotondité inhérente à la nature, on retrouve sous son pinceau un jeu allégorique de formes non-linéaires telles qu'elles peuvent se dégager du monde paysager. C'est cette union entre un contenu sociétal contemporain lié à la vie trépidante de la société, avec l'allusion à la nature qui nous environne, ses formes.

On y voit la trace, le geste immémorial, substrat de l'art, qui produit la ligne. Son style et sa pratique témoignent d'une expérience aboutie. Dans chaque toile la spontanéité contrôlée apparaît, avec une ampleur de gestualité, qui va au-delà ce que l'on pourrait comparer à de "l'Action painting", car ici le geste est chargé de logiques et d'une prédétermination conceptuelle. L'amour de l'art et de la peinture de MABRIS, son engagement entier et absolu dans la peinture contemporaine, nous montrent que pour arriver à un tel niveau d'exécution, seul l'artiste qui a une vocation profonde peut réussir pareilles harmonies et convergences.

MABRIS a su intégrer de plus dans sa peinture un lien générique avec des fondamentaux de l'acte artistique. La peintre MABRIS témoigne dans l'art contemporain international d'une maîtrise du geste pictural investi des significations de sa génération. Une peinture mise au point après de nombreuses années de travail, mais également de réflexion sur l'art, sur l'histoire de l'art, sur le geste du peintre sur la toile. D'une époque genèse à un temps du présent, MABRIS couvre un espace historique et sa peinture montre toute l'évolution, la sémiologie plurielle que peut revêtir le signe en art.

La peinture de l'artiste génère sur les aspects de son expression et de son contenu une tendance internationale. Un travail particulièrement remarqué par le jury international franco-chinois, qui a décerné à l'artiste une distinction artistique éminente.

Betty de Rus, à une facilité naturelle, une propension innée à l'abstraction. Betty de Rus a beaucoup voyagé et son talent est empli de souvenirs, de moments forts de rencontres avec des lieux, en communion avec la nature. Aussi sa peinture est pleine de vie, de regards posés sur les rivages et bords-de-mer, sur les monts et des vallées, sous tant de lattitudes, de continents.

On découvre dans cette peinture tonique, comment l'artiste sait traduire une atmosphère, par les couleurs et les formes, ou bien la joie par des tonalités vives, des touches aux coloris aigus, qui semblent s'interpeller les uns les autres, se répondre comme dans une foule bigarrée, sur fond bleuté tel un azur céleste plein d'optimisme.

Un style pensé, une peinture appliquée avec la liberté que le talent permet en abstraction, pour aller montrer une autre interprétation du monde de la nature. Ses applications pures en à-plats, composées de tons lumineux, reviennent à l'essentiel du sens voulu du tableau.

L'artiste sait toute la signification en sensibilité que peut prendre la couleur lorsqu'elle est posée sous les yeux du spectateur. Le tableau chez Betty de Rus, est avant tout une rencontre avec le paysage, puis ensuite avec le spectateur, parce qu'elle peint pour lui. Il peut ainsi partager la joie de vivre de l'artiste. Les lignes douces du paysage, les couleurs caractéristiques du bord-de-l'eau sont bien évoquées, en un langage poétique propre à cette abstraction lyrique que maîtrise la peintre.

Chez Betty de Rus les couleurs sont des sentiments, des émotions. Un jeu de tonalités diaphanes, l'évanescence ultime de la couleur, offrent un ensemble d'entrelacs aux contrastes modulés, avec des espaces en à-plats, qui sont autant de jeux de perspectives, entraînant le regard vers le lointain, le canalisant vers une plus grande proximité dans le tableau, ou encore le laissant circuler en suivant différents liens qui se superposent.

Betty de Rus poursuit un travail opiniâtre dans le champ de l'abstraction lyrique et poétique avec une réussite exemplaire. Elle a su aller au-delà de la tradition des grands maîtres de ce courant dont l'empreinte marque la culture européenne, pour proposer une nouvelle modalité audacieuse qui marie l'abstraction lyrique et le paysagisme abstrait.

C'est son style au couplage abouti, constitué d' abstraction lyrique et de paysagisme abstrait, qui a convaincu le jury international de la puissance stylistique de l'expression picturale de Betty de Rus. La symbiose qu'elle réalise de ces deux grands courants artistiques européens, permet la mise en relief à travers le travail de cette artiste référente de grand talent, d'une tendance spécifique dans l'art contemporain d'aujourd'hui, le paysagisme abstrait lyrique, présentée lors de ce Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN Une artiste qui a su aller plus loin que les apparences du sensible, pour nous offrir un univers cosmique allégorique de la vie.

Elle témoigne que l'abstraction est un moyen de transmission de ressentis, au-delà de nous-mêmes, d'appréhender aussi une dimension exogène bien extérieure au monde sensible, d'interpréter l'Univers, hors du temps terrestre qui nous environne.

Le jury international a retenu le degré élevé d'avancement de cette peinture abstraite et a su couronner à juste titre plusieurs décennies de talentueuses créations et d'amour de l'art. Tel un fil d'Ariane, la vie qui cherche encore et toujours à continuer la vie, ne peut aller que vers la lumière astrale. Cette toile intitulée "Destinée" est plurielle, polysémique, nous révèle l'aptitude de Laurence Soignon, à l'abstraction et à l'allégorie, son savoir à effleurer tour à tour le monde des sciences les plus avancées et les devenirs qui dépassent notre entendement.

Eblouissante immensité lointaine, éclat stellaire, annonciateur d'une résultante incontournable, qui nous attend au détour du chemin de nos destinées. La puissance picturale est techniquement optimale sur la toile, dans les bleus, dans les mauves, les clartés sont intensément poussées aux paroxysmes des luminosités par les pinceaux et la spatule de l'artiste.

L'application des pigments selon cette manière exceptionnelle que possède Laurence Soignon, est un moyen essentiel de son langage abstrait. Un champ de la recherche de splendides allégories imagières. Ici par le double niveau externe et interne, on en arrive à qu'il en est de l'individu face à l'infini. Avec "Plans Parallèles", c'est le motif primordial d'une lueur, stellaire et exogène, mais qui peut être aussi de l'ordre de l'illumination intérieure, évoquant le sens de l'introspection et de l'extraversion.

L'Homme immergé en lui-même, se ressent intrinsèquement, spirituellement, il est en lien avec l'immensité sidérale insondable qui l'environne. Une interdépendance de ressentis.

L'individu vivant, qui ne connaît de son devenir, que les infimes indices que lui laisse entrevoir le présent. Le spectateur peut se projeter dans une voie qui lui est indiquée par le titrage explicite que l'artiste a su choisir, là encore avec talent.

C'est une peintre avec des intuitions d'un autre existant. Dans son concept, l'abstraction lui donne le moyen d' investir son oeuvre d'interprétation immatérielles, spirituelles, intellectuelles.

Une peinture comme une réflexion ouverte, l'application d'une recherche fondamentale sans équations, mais dont chacun dans son propre vécu intérieur, peut détenir une des clés. Un talent reconnu, confirmé, sur un itinéraire prometteur. Laurence Soignon incarne une tendance internationale nouvelle d'abstraction-fiction cosmologique, qui explore les liens picturaux entre l'humain et l'invisibilité cosmique, le futur.

Avec "Balade", une huile sur carton toilé 61x46 cm , Daniel Aubert nous fait la démonstration de sa capacité à aller vers les caractéristiques premières dans le paysage, élaguer de toute superficialité la vision de la nature, pour y ajuster des formes, des traits, des lignes, en un savant équilibrage.

Un acte de peindre entre spontanéité et gestualité experte. Des lignes, des traits, qui nous étonnent, tel un bouquet épars de branches, répartis en brèves lignes de forces dans la composition. Un paradoxe réussi de cet éclat de traits, optimiste et tonique, sur un fond coloré plus automnal. La végétation arborée atténuée, aux nuances douces, qui laisse entrevoir cette idée du paysage d'automne, viennent insister sur l'aspect de simplification esthétique, de minimalisme colorique, qui accentue l'émotion et l'impact sensible de l'ensemble.

Une palette adoucie, aux gris et turquoises gradués et évanescents, posés en touches parfois épaisses, ont amplifié l'effet du tableau.

Daniel Aubert n'a pas hésité à aller jusqu'aux limites de cet impressionnisme abstrait, jusqu'à effleurer le territoire des monochromes, pour insister sur la force de la représentation lorsqu'elle atteint les frontières ultimes du sens, de la perception consciente du paysage.

Le regard, rassuré, reconstruit l'idée insufflée par le style du peintre. La peinture "Orage", de Daniel Aubert, marque toute la force de l'impressionnisme abstrait européen, de ce mouvement pictural dont Matisse fut l'un des principaux artisans, qui marque encore aujourd'hui, un sillon définitivement primordial dans l'art contemporain européen et international. En précisant, comme atout supplémentaire, qu'au au mois de décembre à Pékin, l'on est dans ce que l'on appelle "la saison des neiges".

Une expression subtile, ambivalente, en miroir d'une réalité fugace et d'une expression poétique, une esthétique exceptionnelle de qualité interprétative. Les grands courants artistiques sont au coeur de l'histoire contemporaine de l'art, peu à peu, ils laissent la place à de nouvelles expressions, plus construites, qui savent faire se croiser différentes formes d'interprétations picturales, en particulier du paysage, notamment dans le contexte d'un art contemporain en pleine mutation en ce début de siècle.

Unanimement un charme inouï a été ressenti, se dégageant du style de cette artiste, une sensibilité à fleur de palette, un pinceau qui tient au bout du coeur, la peinture d'ELLHËA reste un ravissement pour les yeux mais aussi pour l'esprit. Le Jury international n'a pas résisté au charme de cette peinture, qui a permis à la talentueuses peintre d'obtenir la Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN Un stylistique qu'elle maîtrise très bien.

La sensation de l'immensité marine sous un ciel infini, des nuages molletonnés, une mer en vagues souples, grâce à une technique de touches savamment posées, qui font de cette marine une réussite absolue dans la muséologie de l'artiste.

La peintre ELLHËA, parcoure avec brio le chemin d'un post-impressionnisme, avec une conviction d'être sur une voie inachevée, dans un une démarche qui n'a pas encore tout dit. Elle y apporte un traitement par des couleurs renforcées, sa modalité d'application de la peinture donne une sensation de volumétrie et de profondeur, un champ amplement ouvert dans l'espace, un aspect grandiose aux éléments.

La peintre Ellhëa, tout en conservant le sujet maritime, des régates, laisse apparaître l'autre limite de l'impressionnisme qui est une frontière de l'abstraction. On y voit son pointillisme modernisé contemporain, qui prend prétexte de la diffraction de la lumière, pour créer une animation, sans hésiter à côtoyer une forme atténuée de fauvisme, puissant sinon violent, hors des conventions de couleurs. C'est ainsi que l'on a pu apprécier cette présentation qui a illustrer les limites de de l'impressionnisme.

De sa formulation la plus proche du figuratif elles vont jusqu'à celles les plus proche de l'abstraction. Laquelle a suscité un engouement légitime beaucoup, et n'a pas laissé insensible les artistes chinois présents. Une aptitude de cette peintre aux ressentis esthétiques les plus subtils a été au-delà des frontières, au plan international. L'impressionnisme possède des racines très anciennes dans l'art. En se libérant des contraintes du figuratif stricto-sensu, Ellhëa a intégré cela dans sa peinture.

L'impressionnisme dès ses débuts à mis en modernité les principes d'une peinture qui sort de l'intérieur de l'artiste, le visible n'étant qu'un prétexte. Le peintre contemporain, face à l'apparent motif, peut devenir un filtre de ressentis, pour transmettre un autre essentiel sur la toile. Déjà connue dans la capitale chinoise, ses nouvelles présentations ont été très appréciées.

A tel point qu'à l'issue des présentations des styles celle-ci s'est trouvée au Palmarès décrochant la Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN L'artiste se distingue par l'application de la touche picturale avec une grande méticulosité, à l'ancienne. Elle en saisit l'essentiel, l'élague, pour en faire ressortir un esprit, une ambiance, tel que cela lui convient au mieux.

Elle sait associer les principes de la peinture traditionnelle et une façon de peindre moderne, contemporaine. De la même façon que lorsqu'elle choisit un angle de vue dans la nature, selon sa liberté de décider de quel aspect du paysage va s'emparer le peintre. Ici, avec une nature-morte, sera le choix des objets, des fruits, qui emporteront sa préférence par l' originalité des formes, par la couleur, si c'est un objet également son originalité selon la lumière qui peut s'en dégager ou des dessins décoratifs qu'il comporte.

Ainsi les pommes ont été retenues comme sujet par Chantal François pour la force expressive qu'elles dégage. Leur importance emblématique pour les artistes du figuratif ou impressionnistes.

Ce fruit qui resta pour lui un sujet de prédilection à peindre. La pomme gardera toujours ses mystères depuis la Genèse à l'art contemporain. Fruit emblématique de la nature pour Chantal François, elle présente ses pommes à l'intérieur d'une corbeille, associant la rotondité des fruits à leur installation dans un récipient à forme également ronde.

Elle pose en premier plan sur la table une pomme ouverte, telle une invitation à découvrir l'intériorité de la nature, ce qui se cache à l'intérieur de ce que l'on voit, brisant le mystère des apparences.

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Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. Ces deux beaux équidés ont été entourés par Régine BAZIN, de leurs pensées, matérialisées par une composition abstraite, en complémentarité de la photographie initiale figurative retravaillée en numérique.

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Tendances artistiques internationales, Pékin

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Digital stories rencontres audiovisuelles Comité du Jury a apprécié cette artiste exceptionnelle et de tout premier plan. Au travers d'artistes parmi les plus créatifs, au coeur de la société, par une mise en relief d'une "mémoire rencontre juive toulouse temps réel", par le "signalement sociétal" des caractéristiques principales des différents styles actuels, en "sentinelle des talents de haut niveau", sélectionnés dans tous les domaines qui fondent notre patrimoine artistique international, "Styles et Tendances dans l'Art International, Chine, PEKIN " contribue, au travers de l'art, des hommes et du multimédia, aux révélations ou aux consécrations de talents, à l' approche d'une "nouvelle muséographie référentielle" internationale, in fine, au développement, par un "phasage actualisé", des arts et de la culture. Malcolm et Sattler s'inquiètent: Le peintre contemporain, face à l'apparent motif, peut devenir un filtre de ressentis, pour transmettre un autre essentiel sur la digital stories rencontres audiovisuelles. Il est le seul peintre asiatique à ma connaissance, a réussir la grande alchimie picturale, qui parvient à mettre en symbiose, à la fois, transcendance et transfiguration digital stories rencontres audiovisuelles paysage sensible, c'est à dire à conjuguer une abstraction interprétative avec une vision supérieure exceptionnellement lucide, hors des limites de l'image narrative.